Уважаемые читатели! В рамках корпоративного проекта МБУК Ростовская-на-Дону городская ЦБС «Светоч» приглашаем вас посетить наш джем-сейшн, творческий симбиоз живописи и музыки, посвященный 140 — летию со дня рождения И. Ф. Стравинского , 140 -летию Рокуэлла Кента, 445-летию П. Рубенса.

Живопись и музыка связаны множеством нитей, они часто дополняют друг друга и имеют свойство взаимопроникновения. Они рождаются из единого источника и вырастают на единой почве. Источник и почва – это жизнь, реальная жизнь, питающая в равной мере искусство и и художника, и музыканта. Музыка обычно вызывает у слушателя определённые мысли и чувства, рождает воспоминания, картины когда-то увиденного пейзажа или сцены из жизни. И эту картину, возникшую в воображении, можно нарисовать. А у хорошего художника картина приобретает музыкальность, с полотна, написанного им, как бы звучат мелодии.

«Нет рубежей между искусствами, музыка объединяет в себе поэзию и живопись и имеет свою архитектуру. Живопись тоже может иметь свою архитектуру, как музыка, и в красках выражать звуки…»  (М.  Чюрлёнис)

«Русскость» мышления: Игорь Стравинский

17 июня исполнилось 140 лет со дня рождения композитора Игоря Стравинского (1882-1971). Он считается одним из самых важных и влиятельных композиторов 20-го века. В течение долгой карьеры Стравинский сочинил удивительно широкий спектр музыки, и его работы охватывали разные стили. Выдающийся музыкант с мировым именем, он был подобен художнику-авангардисту, который, смешивая и выкладывая на холст те же самые краски, что и живописец традиционного направления, добивается совершенно иного, необычного и выразительного эффекта.

Стравинский как художник сложился на русской почве. Весь первый период его творчества прошёл в России и был обусловлен многими чертами русской действительности 1890 — 1900-х годов. Тогда же определилась и его творческая индивидуальность, стиль, составившие основу композиторского мышления Стравинского. «Русскость» этого мышления осталась у Стравинского на всю жизнь. Композитор не раз подчеркивал: «Я всю жизнь по-русски говорю, по-русски думаю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это в её скрытой природе …»

Источником новаторства Игоря Стравинского стала русская народная песня. В ней он сумел заметить структурные закономерности, на которые не обращали внимание его предшественники. Он черпал из этого песенного наследия то, что ему было нужно для собственного стиля.

«Стравинский — истинно русский композитор… Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного». (Дмитрий Шостакович)

Игорь Стравинский создал удивительные балеты. Музыка рождалась в непосредственном творческом взаимодействии композитора с художниками, хореографами и продюсером. Балеты Стравинского — неотделимая часть «Русских сезонов» Дягилева, выросших из самого авторитетного творческого кружка рубежа веков «Мира искусства», объединявшего самых неординарных творцов своего времени. Сотрудничество организатора сезонов Сергея Дягилева и Стравинского продолжалось 18 лет. За этот долгий период в « Русских сезонах » было поставлено 10 балетов композитора. Но именно первые три из них: «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная» остались по сей день самыми популярными. Их называют «Великой балетной триадой Стравинского».

«Жар-птица» – балетно-оркестровое концертное произведение Стравинского, первый международный успех в его карьере. Пьянящая смесь восточных музыкальных специй в «Жар-птице» выводит пикантную оркестровку на новый уровень восторженного балетного самовыражения.

«Музыка эта горит, пылает, бросает искрами. Это то, что надо было для огневого образа в балете». (М. Фокин)

«Петрушка» рассказывает историю любви и ревности трех кукол и объединяет музыку, танец и дизайн в единое целое. Для музыки характерен так называемый аккорд «Петрушка» , устройство битональности, предвещающее появление главного героя.

«Когда я сочинял эту музыку, перед глазами у меня был образ игрушечного плясуна, внезапно сорвавшегося с цепи, который своими каскадами дьявольских арпеджио выводит из терпения оркестр, в свою очередь отвечающий ему угрожающими фанфарами». ( И. Стравинский)

«Весна священная», одно из лучших произведений Стравинского.  «…В «Весне священной» я хотел выразить светлое воскресение природы, которая возрождается к новой жизни: воскресение полное, стихийное, воскресение зачатия всемирного…»,- писал композитор. Во Вступлении к балету «Весна священная» показано настоящее действие «весеннего произрастания». Распускание бутонов, стебельков запечатлено в этой музыке. Начальная тема-наигрыш, исполняемая фаготом, напоминает строение стебелька, который постоянно тянется, устремляется вверх. Мелодическая линия на протяжении всего звучания также всё больше и больше «обрастает» подголосками. Свирельные пастушьи наигрыши постепенно превращаются в густую музыкальную ткань, в которой слышится птичье щебетанье. Леонард Бернстайн описал «Весну священную» как «самое важное музыкальное произведение ХХ века».

Предлагаю вашему вниманию видеопрезентацию «Три балета Стравинского».

Балеты Стравинского стали рубежом, определившим пути развития многих видов искусства XX века. В обращённости к вечным истинам — истине природы, истине древних законов, данным сквозь призму музыкального звучания, и заключён секрет необыкновенной актуальности данных произведений. Особенность этой музыки заключается в мощном ритмическом воздействии как на слушателя, так и танцовщика. Дух новизны музыки балетов Стравинского до сих пор не утерян. На протяжении века многие хореографы обращались к ней.

Предлагаю вспомнить наследие великого композитора.

Жизнь композитора сложилась так, что с 1914 года он был оторван от Родины – жил в Швейцарии, был гражданином Франции, США. Но, несмотря на это, Стравинский оставался русским художником, накрепко связанным с традициями отечественной культуры. Композитор признавался в том, что, оставив Россию, он почувствовал себя «лишенным корней». И естественно, что он стремился укорениться в среде зарубежной, западно-европейской культуры. Стравинский обращается к фонду интонаций и приемов барокко, этой великой эпохи стилевого брожения, ищет и находит новые импульсы развитию своих творческих идей.

«Стравинский — это Орфей двадцатого века», — считал Джордж Баланчин. Возможно, именно поэтому Баланчин в 1946 году предложил Стравинскому тему нового балета. Известный миф об Орфее и Эвридике стал источником для получасового балета в трех сценах и двенадцати танцевальных эпизодах. Ритм танцев вакханок в смягченном виде напоминает буйство ритуальных плясок из «Весны священной». Таким образом, наряду с западно-европейским тематизмом Стравинский использовал и тематизм, типично русский по истокам.

Великий экспериментатор, Игорь Стравинский чутко улавливал изменения, которые происходили в жизни, и стремился жить вместе со временем. И все же у его музыки есть свое истинное лицо — русское. Все сочинения Стравинского глубоко проникнуты русским духом — это снискало композитору невероятную популярность за рубежом и искреннюю любовь в Отечестве. 

О жизни и творчестве И. Ф. Стравинского вы можете прочесть в книге «Самые знаменитые композиторы России»

В книге из серии «Самые знаменитые» даны очерки жизни и творчества наиболее выдающихся композиторов России, среди которых И. Ф. Стравинский занимает важное место. В мире не так много стран, которые обладают столь же богатой россыпью музыкальных талантов, как Россия. Русские композиторы стремились выразить в музыке национальное содержание, искали собственный путь развития, хотя и пользовались приемами общеевропейского классического стиля. Одна из замечательных особенностей русской классической музыки — ее широкая песенность, унаследованная от протяжной лирической крестьянской песни.

Реализм и символизм Рокуэлла Кента

21 июня исполнилось 140 лет со дня рождения Рокуэлла Кента (1882-1971), американского художника и писателя, одного из лучших пейзажистов и графиков ХХ столетия. В своем творчестве он сочетал реалистическую манеру с романтическим символизмом. Для творчества Кента характерны мужественная одухотворённость образов, чёткий, сильный рисунок, звучный колорит. Кент дал ответ на многие вопросы современности в своих книгах, иллюстрированных смелой, выразительной графикой.

«Мое искусство, а это значит картины и книги, будет всегда не больше чем выражением моего интереса жить». (Р. Кент)

Наблюдения очевидца, личный опыт, который не заменишь никакими книжными знаниями, отразились в творчестве Рокуэлла Кента. Неутомимый путешественник, побывавший на крайнем севере, Рокуэлл Кент не просто странствовал. «Я осваивал целый ряд профессий – рыбака, плотника и многих других, – говорил он о себе. – По мере того, как я их постигал, я рос как человек, и тем самым возрастала моя способность видеть и познавать жизнь».

Рокуэлл Кент родился 21 июня 1882 года в городке Территауне, штат Нью-Йорк. Строптивость и упрямство он проявлял с раннего детства, менял одну за другой школы, рано ушел из дома и начал самостоятельную жизнь. Кент получил архитектурное образование в Колумбийском университете, брал уроки живописи у известных американских художников — Уильяма Чейза, Эббота Тейера, Роберта Генри. В 1904 году он принял участие в выставке Общества американских художников, представив свои пейзажи Нью-Гэмпшира.

Спустя год Кент отправился в свое первое путешествие и пять лет провел на острове Монеган в штате Мэн. В 1914-1915 годах посетил Ньюфаунленд, а в 1918-1919 Аляску, куда отправился вместе со своим девятилетним сыном. Там они вдвоем построили бревенчатую хижину на Лисьем острове в бухте Воскресения, и прожили в ней много месяцев. Кент написал ряд пейзажей Аляски, сделал много рисунков. Там он впервые проявил себя как писатель, описав свое путешествие. Книга «В диком краю» вышла в 1920 году, была довольно успешна.

Рокуэлл Кент трижды путешествовал по Гренландии. Свое первое плавание в Гренландию он совершил в 1929 году. Оно было романтическим и необычайным. С двумя товарищами он на маленькой шхуне отправился от берегов Лабрадора на северо-восток к берегам Гренландии. С трудом выбравшись из туманов и рифов в забитом льдами заливе Дейвиса, шхуна, попав в шторм, затонула, а друзьям с трудом удалось выбраться на берег. После томительного, трудного путешествия по безлюдному побережью, Кент и его спутники встретили эскимоса в каяке, который привел их в поселок. Эту свою морскую эпопею Кент с большим юмором описал в книге «Курс N by E», что буквально переводится как «Курс к северу вдоль востока». Книга была иллюстрирована самим автором, читатели встретили ее очень благожелательно.

Гренландия так покорила Р. Кента, что в 1932 году он снова отправился туда, и на этот раз на самый дальний ее север. Художник остался там жить надолго, разделив с эскимосами их повседневную жизнь и работая над своими картинами без этюдов, прямо с натуры. Не так много в мире художников, которые посвящали бы свое творчество суровым арктическим краям, особенно таким удаленным, как Гренландия. А Рокуэлл Кент посвятил этому ледяному краю множество картин. Здесь художник обрел свою собственную манеру – строгий и простой живописный язык, яркую и сверкающую романтику, монументальность пространства, света и цвета.

Все творчество  Р. Кента – романтический поиск гармоничной модели бытия человека и природы, изображение человека, способного «дотянуться» до природного величия. Предлагаю вашему вниманию видеопрезентацию «Величие и красота природы в картинах Рокуэлла Кента»

Поскольку во время своих путешествий Р. Кент постоянно создавал и тексты о своих поездках, он приобрел известность и в качестве художника, и в качестве писателя. В книгах Рокуэлл Кент описывает свою интересную, полную приключений жизнь полно и без прикрас. Автор пишет о людях, с которыми сталкивался, об их мыслях, поступках, характерах и обычаях. Он рассказывает о суровой и прекрасной природе Севера, о сюрпризах погоды. Экзотичную внешность и одежду северных жителей можно увидеть на рисунках автора, имеющихся в книгах. Автобиографические книги этого удивительного человека вызывают огромный интерес у читателей как открытие незнакомой прежде жизни.

В СССР были переведены на русский язык и изданы семь книг Рокуэлла Кента: «Курс N by E» , «Саламина» , «В диком краю. Дневник мирных приключений на Аляске» , «Это я, Господи» , « Плавание к югу от Магелланова пролива» , «О людях и горах» и «Гренландский дневник» . Многие из них выдержали неоднократные переиздания в Советском Союзе большими тиражами. Исключением является книга «О людях и горах», написанная Кентом по впечатлениям первого путешествия по СССР и опубликованная в русском переводе только в августовском номере журнала «Волга» за 1967 г.

На рубеже 1950-1960-х годов Р. Кент был самым популярным зарубежным художником в нашей стране. Художник был убежден, что искусство должно сближать народы, и поэтому устроил несколько выставок своих работ в Москве, Ленинграде, Киеве, Риге и Одессе в 1957-1958 годах. Выставки имели большой успех. В 1957 году Рокуэлла Кента выбрали председателем Национального совета американо-советской дружбы, в 1967 году вручили ему Международную Ленинскую премию за укрепление мира между народами. Благодарный художник передал в дар советскому народу девятьсот своих картин и рисунков. Согласно желанию Кента все его работы, подаренные Советскому Союзу, были распределены между Государственным Музеем Изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве, Государственным Эрмитажем, Киевским музеем западного и восточного искусства и Государственной картинной галереей Армении.

О биографии и творчестве выдающегося художника, архитектора, писателя и общественного деятеля Рокуэлла Кента вы можете прочесть в книге «Великие художники ХХ века«.

Двадцатое столетие — это век великого искусства. В книге серии «Великие XX века» представлены судьбы более 100 великих художников XX века. Это архитекторы, скульпторы, живописцы, графики, мастера монументального, декоративно-прикладного искусства. Каждая статья сборника  рассказывает о времени, в котором жил и творил художник, об особенностях его творчества, содержит главные факты биографии. Книга будет интересна не только почитателям изобразительного искусства, но и широкому кругу читателей.

Живопись, которая поет: Рубенс

28 июня исполнилось 445-лет со дня рождения Питера Пауля Рубенса (1577-1640), художника и дипломата. Его называли «королем художников и художником королей», и совершенно справедливо. Он был советником Изабеллы Испанской, Мария Медичи заказывала у него картины для украшения Люксембургского дворца, он вел мирные переговоры с Карлом I и создал росписи для Уайтхолльского дворца, за эти заслуги английский король произвел его в рыцари. Рубенса считали одним из основателей популярного художественного направления и архитектурного стиля барокко.

«Его главное качество, если предпочесть его многим другим, — это пронзительный дух, то есть поразительная жизнь; без этого ни один художник не может быть великим». (Эжен Делакруа).

Питер Пауль Рубенс занимает особое, главенствующее место среди блистательных фламандских живописцев. Он проявил уникальный дар, внося в повседневную жизнь яркие краски, самобытность и колорит. Всю свою жизнь художник воспевал красоту. Он прекрасно разбирался в музыке и поэзии. Художник часто изображал музицирующих людей с инструментами. Величайший фламандский мастер повествуют о мире музыки через искусство. Некоторые картины уподоблены слушанию хоровых партитур. И это роднит его с Моцартом.

Большую популярность мастер приобрел в самом начале своего творческого пути. Рисуя свои первые картины, художник сумел подчеркнуть свойственную ему манеру: он тщательно прорисовывал детали пейзажа и фона, которые находились на заднем плане портрета человека. 1600-1608 годы Рубенс провел в солнечной Италии. Там он выполнил на заказ большое количество портретов. Технику работы итальянских мастеров живописи художник перенес на свои картины. Из Италии он вернулся в связи с полученным печальным известием: в Антверпене умерла его мать. Рубенс сильно переживал утрату, у него появились мысли стать монахом.Но перестать рисовать картины он не смог.

Со временем Питер Рубенс стал одним из самых востребованных художников в родном городе. Живописец регулярно получал заказы от состоятельных горожан. Ему было предложено начать работу при дворе известного в городе эрцгерцога Альберта. Он не только выполнял заказы своего покровителя, но и расписывал соборные стены. К раннему этапу относят полотна: «Союз Земли и Воды» (1612-1615), «Охоту на кабана» (1615), «Битву амазонок», «Охоту на львов» (обе работы были выполнены в период с 1615 по 1618) .

Начиная с 1620 г. Рубенс стал выполнять заказы, поступившие от французской королевы Марии Медичи. Это были полотна исторического жанра. Художнику был заказан цикл работ, предназначавшихся для декорации помещений нового королевского замка. Овдовевшая королева хотела украсить его эпизодами из своей жизни с умершим королем. Работа над первой серией картин была окончена в 1625 г. Завершить вторую серию, посвященную правлению умершего короля, автор не успел. Для придания картинам выразительности мастер использовал аллегорические и мифологические образы.

Свои работы Рубенс писал до последних дней жизни. Центральной темой последнего этапа стала сельская жизнь и природа. Знаменитые картины того времени: «Крестьянский танец» и пейзаж «Крестьяне, возвращающиеся с полей».

В течение всего творческого пути живописец постоянно находился в поиске: собственного художественного стиля, новых решений передачи цвета, способов подачи объема и формы. Богатство красок на картинах Питера Пауля Рубенса не перестаёт удивлять. К счастью, большая часть полотен художника сохранилась до наших дней. Предлагаю вашему вниманию видеопрезентацию «Шедевры Питера Пауля Рубенса».

Всматриваясь в кажущуюся неподвижность хорошей картины, можно увидеть, что она всё-таки полна движения, а это уже свойство музыки. С другой стороны, вслушиваясь в музыкальное произведение, человеческое воображение рисует живописные образы. Таким образом, музыка обретает видимость, а живопись слышимость. Цель каждого истинного искусства – затрагивать наши мысли и чувства, делать нашу душу чище и возвышенней. К этому стремились мастера живописи и творцы великой музыки, к этому побуждала их неутолимая жажда самовыражения. Самовыражения в слове, в музыке, в цвете. Надо только смотреть и слушать… И размышлять.

Замечательные книги, посвященные великим художникам и музыкантам, вы можете получить для прочтения на дом в нашей библиотеке. Книги будут интересны не только почитателям изобразительного искусства и музыки, но и широкому кругу читателей. Ждем вас!

Подготовила ведущий библиотекарь Жукова А. В.